IN-DRAMA – Intervenções, Interações, Invasões.
Idealização: Chistiane Jatahy.
Um outro olhar sobre as peças de Nelson Rodrigues.
Obra em destaque: Os 7 gatinhos.
Direção: Dani Lima.

A Dani Lima se destaca no cenário cultural desde a época da Intrépida Trupe e mais atualmente com as pesquisas corporais que desenvolve junto à sua companhia de dança. Uma das características da sua companhia que mais me agrada é o fato de seus bailarinos terem corpos comuns, sem aquelas feições extremamente tonificadas, delineadas. Uns tem barriguinhas, outros são bem magrinhos; mas todos têm em comum uma coisa: são ótimos no que fazem.
A leitura que a Dani fez da obra Os 7 gatinhos, de Nelson Rodrigues, foi interessante em alguns momentos; quando eles, por exemplo, rolam pelo chão, se beijando e se encaminhando para o centro da cena tendo que passar pelo público. Outra coisa interessante foi a construção do sentido buscada pela diretora na obra original e que surge no trabalho por intermédio das ações físicas desenvolvidas pelos dançarinos em cima das rubricas propostas pelo autor e ditas, em áudio, por parte da equipe.
Não gostei do final, que até se revelou provocante, com todos os artistas em cena representando, cada um deles, as filhas; raspando partes de seus corpos, alguns até semi-nus, quem sabe tentando com isso remeter ao anjo pornográfico que o próprio Nelson já foi definido alguma vez. No geral, uma tentativa interessante.
O projeto criado pela Casa França-Brasil é de singular importância ao tentar manter viva a figura desse grande autor. Outros artistas da atualidade já apresentaram suas versões para outras obras. Que a intenção continue, pois não é sempre que se pode, de forma gratuita, acessar propostas de qualidade como essa. Parabéns à Dani.

Com o texto original de Adam Rapp, o espetáculo recebeu algumas adaptações “brasileiras” por parte dos tradutores. A história se passa no bairro da Luz Vermelha (que dá nome à peça), em Amsterdã/Holanda; e, um ano depois, no Brasil.

Vale comentar um pouco sobre o cenário. Nas duas “fases” da história, ela se passa entre “4 paredes” – primeiro em um quarto de hotel, e depois em um pequeno apartamento – , com quatro “pilares” demarcando o espaço onde ocorrem as principais ações do espetáculo (muito legal!). Como ponto negativo pode-se citar a utilização excessiva de objetos para caracterizar o ambiente, alguns deles sem utilidade para a cena em si; e também a longa mudança de cenário entre as duas fases do conto, que pode ter deixado a plateia cansada.

Em contrapartida, a diretora Monique Gardenberg se utiliza muito bem dos elementos cênicos para trabalhar a ideia de quarta parede¹, e até um pouco a de foco². A utilização da quarta parede cai muito bem, mesmo, à montagem, justificando as vezes em que os atores ficam de costas para a plateia – o que, neste caso, não constitui uma gafe.

Quanto ao desenrolar do espetáculo, é com pesar que digo que o texto é um pouco repetitivo. Além disso, é difícil saber se assistimos a uma história cômica ou a um drama. Ok; pode-se ter uma montagem que mescle os dois, certamente. Mas o fato é que no início do conto os atores investem muito no humor, contagiando o público, e nos momentos em que se sentia um tom mais dramático, pesado, na cena, a sintonia com a plateia não acontecia muito bem.

Mas, apesar disto, pode-se observar um excelente trabalho dos atores André Frateschi, Marjorie Estiano, Rafael Primot (foto), na construção de seus personagens; com destaque para o Rafael: os trejeitos e sintomas que ele emprestou a Matheus – seu personagem – mostram perfeitamente a personalidade deste: um homem medroso, tímido e ansioso. (trabalho incrível!)

Enfim, mesmo com seus pesares, o elenco e toda a equipe de “Inverno da Luz Vermelha” está de parabéns pelo trabalho. E é como diz um, tímido e medroso, escritor que conheci:

“As cortinas se abrem. Luzes acendem, luzes apagam. E no dia seguinte, começa tudo de novo.”

(Matheus – Inverno da Luz Vermelha)

Abraços.
Farley Matos.

1. quarta parede: termo cunhado por André Antoine para designar a parede imaginária que separa o palco da plateia. Constitui uma convenção do teatro naturalista, onde o ator representa ignorando a presença do público diante dele. (Dicionário de Teatro – Luiz Paulo Vasconcellos)

2. foco: ideia trabalhada quando tem-se duas ou mais “cenas” ocorrendo ao mesmo tempo, mas elas não fazem parte da mesma ação. Cada cena ocorre em um foco diferente, e é perfeitamente possível entender o que ocorre em todas elas.

Farley Matos, aluno do Curso de Iniciação ao Teatro, faz resenha crítica sobre espetáculo teatral apresentado no Rio de Janeiro

“R&J de Shakespeare: Juventude interrompida”

Escrito por Joe Calarco e traduzido para o português por Geraldo Carneiro, o espetáculo tinha tudo para ser clichê, por se tratar de um dos romances mais famosos da história do teatro. Mas o talento dos atores João Gabriel Vasconcellos, Rodrigo Pandolfo, Pablo Sanábio e Felipe Lima, aliado à criatividade e à competência do diretor João Fonseca, mostrou que sempre é possível surpreender o público.

A história se passa em um colégio cristão conservador, com diversas regras a serem seguidas, e nele, quatro amigos reúnem-se à noite para “brincar de teatro”. A peça mostra a noite em que eles resolvem encenar Romeu e Julieta.

Retratando de forma bem simples e concisa uma escola, o cenário oferece aos “alunos” todo o necessário para a dramatização do conto: lápis, canetas, réguas, livros, cadeiras, cada objeto ganha um novo sentido na brincadeira dos quatro. Mas não são apenas analogias óbvias, como, por exemplo, réguas que tornam-se espadas; algumas delas são extremamente ousadas e inteligentes, e assim mesmo são perfeitamente compreensíveis. Vale citar três exemplos: um esquadro torna-se uma máscara de baile; uma flauta passa a ser o frasco do veneno que mata Romeu; e, certamente a mais inteligente de todas, folhas de papel viram a parede e a porta do quarto de Julieta (jogada de mestre do diretor!).

Outro artifício usado de forma excepcional pelo elenco foi o figurino. Composto de um traje social vermelho, o uniforme do colégio transforma-se em vestidos, trajes de gala e aventais; tudo com uma credibilidade extremamente fácil de aceitar.

Durante o espetáculo, os quatro atores se revezam na interpretação dos personagens de R&J, e isto mostra a versatilidade e a extrema inserção dos artistas na peça: no decorrer da mesma eles entram e saem de personagens com uma facilidade incrível, e cada um dos personagens mostrados possuem uma característica marcante – como o virar de pescoço da ama de Julieta, e o andar suave da própria Julieta.

Vale destacar o excelente trabalho de Rodrigo Pandolfo e Pablo Sanábio. Este interpretou a ama de Julieta e o Frei, ambos com uma particularidade impressionante. Quanto ao Pandolfo, sem dúvidas ele se sobressaiu muito. Se ele já surpreendeu ao fazer o primo de Romeu de forma super contagiante, o faz ainda mais quando começou a encarnar a jovem Julieta: o andar e os movimentos suaves, o modo como tornava as feições de seu rosto delicadas, tudo, nos fazia acreditar piamente que se tratava de uma donzela.

Enfim, “R&J de Shakespeare: Juventude interrompida” mostra que muito pode sair do nada. Assistir a tão bom espetáculo foi uma honra. Muito bom ver um tempero de comédia em meio a uma tragédia renomada. Recomendo a todos. Vale a pena esperar por outra reestreia.

Abraços a todos.

Farley Matos.